Самые известные картины Эрмитажа

Музейный комплекс Эрмитаж включает 6 зданий, почти 20 километров коридоров, 350 залов, где представлено свыше миллиона произведений изобразительного и прикладного искусства. Некоторые из работ выкупали специально для музея по личным приказам императоров, другие были подарены частными коллекционерами.

Знаменитые шедевры Эрмитажа

Мы отобрали 15 полотен, которые стоит увидеть каждому посетителю музея.

«Мадонна Бенуа», Леонардо да Винчи

Доподлинно не известно, как полотно попало в Россию. Искусствоведы предполагают, что семейство Бенуа приобрело его у артистов бродячего цирка. В начале XX века государственный музей в Питере купил картину у наследников, а в тяжёлые времена 20-30-х годов правительство едва не продало полотно американскому министру финансов. К счастью, сделка сорвалась, и шедевр остался в стенах Эрмитажа.

С одной стороны, на полотне изображена милая семейная сцена матери и ребенка. Но когда вглядываешься, становится не по себе: цветок, который Мадонна показывает Христу ― крестоцвет ― символ будущих страданий. Некоторые специалисты до сих пор сомневаются в завершённости работы, но в этом, наверное, и кроется её очарование.

«Мадонна Литта», Леонардо да Винчи

Полотно размером всего 42х33 сантиметра поражает глубиной и монументальностью. На маленьком холсте изображена сцена, неподвластная времени: мать кормит дитя грудью. Художник намеренно создал мрак, чтобы выделить лик Богоматери и младенца, придав им величие. На картине много интересных деталей. Вглядитесь: младенец держит в руках птичку, вырезы для кормления на одеянии Мадонны были когда-то зашиты, а сейчас вспороты. 

Некоторые эксперты утверждают, что над образами трудились ученики художника. Другие уверены — в авторстве Да Винчи нет сомнений. Записи и наброски композиции свидетельствуют о том, что произведение принадлежит кисти великого Леонардо. Более того, рука мастера видна и в проработке частей тела маленького Иисуса и головы Богородицы, в слегка небрежных деталях фона и складок одежды.

«Мадонна Конестабиле», Рафаэль Санти

Произведение относится к ранним работам живописца. Считается, что на момент создания ему было всего 20 лет. Многие культурологи связывают его увлечение образами Мадонны с детской травмой: когда Рафаэлю было 11 лет, он потерял родную мать и недополучил её любви. Именно о душевных страданиях «кричит» каждое изображение Богородицы. 

Чтобы спасти работу от разрушительной силы времени, в 1881 году специалисты перенесли её с доски на холст. При этом они обнаружили, что изначально в руках Девы Марии был гранат ― символ пролитой крови Христа.

«Даная», Рембрандт

1985 год, 15 июня. В Эрмитаже появляется неприметный человек. Он подходит к холсту, вынимает нож и наносит удары по картине, а затем выплескивает на неё какую-то жидкость. Злоумышленника поймали, но произведению нанесён серьёзный ущерб. Реставрация длилась 12 лет, и только в 1997 году картину снова выставили в зале.

Полагают, что Рембрандт изобразил свою жену ― изначально работа создавалась не для продажи. В середине прошлого столетия специалисты Эрмитажа провели рентгеноскопическое исследование и выяснили, что картина была переписана после кончины супруги: портрет на нижнем слое имел большее сходство с реальной женщиной. 

Фото:  Netelo, CC BY-SA 4.0

«Возвращение блудного сына», Рембрандт

Это последняя работа великого живописца, которую он переписывал три раза. Искусствоведы считают, что блудный сын ― это сам Рембрандт, решивший перед кончиной покаяться в грехах. Образ Господа воплощён в облике отца. Он понимает, принимает и прощает ошибки. Старший сын олицетворяет совесть живописца, а мать ― любовь.

Картина впечатляет масштабом и глубиной. Когда стоишь у большого полотна размером 262х205 сантиметров, кажется, что находишься рядом с этими людьми и всё происходит здесь и сейчас.

«Дама в голубом», Гейнсборо

Художник творил в весьма своеобразной манере. Он брал сильно разбавленные краски и двухметровые кисти ― так он находился практически на одинаковом расстоянии от мольберта и модели. За счёт такого приёма ему удавалось передать целостность образа. 

На картине изображена прекрасная незнакомка. Она окутана загадочной дымкой, но при этом не лишена реалистичности. Имя женщины, которая позировала мастеру, доподлинно не известно. Есть версия, что это любимая дочь генерала Боскауэна, но гипотеза ничем не подтверждена. Некоторые искусствоведы выдвигают смелую версию ― мы видим авантюристку, которая выдавала себя за княжну Тараканову.

«Танец», Анри Матисс

Это масштабное панно, которое Анри Матисс писал специально для коллекционера Сергея Щукина. Те, кто его видел и знал, в чьём доме полотно будет висеть, недоумевали ― как такой человек может платить за этот «шедевр» и выставлять его напоказ. 

На картине изображены пять обнажённых женщин. Взявшись за руки, они танцуют на фоне синего неба. Матисс намеренно упростил сюжет и отсёк лишние детали, чтобы передать чувственность движений танцовщиц. Для работы он использовал всего три цвета: красный, синий и зелёный. 

Сегодня яркий и экспрессивный шедевр украшает Эрмитаж.

«Композиция VI», Василий Кандинский

В работе мастер попытался рассказать историю о преодолении хаоса. Картина написана в 1913 году в Мюнхене. Сначала автор хотел назвать свою работу «Потоп»: через беспредметную живопись он изобразил самый знаменитый библейский сюжет, поражающий драматичностью и грандиозностью. Позже Кандинский отказался от этой идеи, не желая вешать ярлык на своё творение. 

Форма и цвет ― главные инструменты, с помощью которых мастер передаёт динамику, ритм, остроту. Перед посетителем Эрмитажа как будто открывается живая панорама, в которой можно разглядеть очертания тонущего ковчега и животных.

«Апостолы Петр и Павел», Эль Греко

Художник акцентирует внимание на психологических характеристиках персонажей. На картине представлены два типа человеческой натуры: Пётр (слева), отрицающий существование Иисуса Христа, и Павел, приверженец веры. В центре композиции ― руки апостолов, своего рода диалог между ними и символ единения. 

Эль Греко много раз изображал святых, при этом сохраняя максимальную похожесть: Пётр ― седовласый старец в жёлтой одежде, а Павел ― лысеющий, в красной мантии поверх синего или зеленого платья.

«Женщина, держащая плод», Поль Гоген

Полотно было куплено Иваном Морозовым, русским меценатом. Долгое время оно украшало частную коллекцию, но после революции его национализировали. У шедевра две версии. Первая написана на год раньше (1892 год) и хранится в музейных фондах Германии, а вторая — в Эрмитаже.

Живописец изобразил свою молодую супругу Техуру, которая на тот момент была беременна. Плод в её руках нельзя назвать грешным. Скорее, он означает материнство, продолжение рода.

«Бульвар Монмартр в Париже», Камиль Писсарро

Французский художник написал эту картину уже в зрелом возрасте ― 67 лет. 

Импрессионист стремился передать ощущения от увиденного городского пейзажа, передать активное движение и бурную жизнь парижской улицы. В работе он использовал яркие цвета, а не мягкую серую палитру. У некоторых картина вызывает ассоциации с кровью, текущей по венам в человеческом организме. Если она остановится, то ничего не будет ― жизнь кончится.

«Две сестры» («Свидание»), Пабло Пикассо

Сюжет для картины художник подглядел в госпитале, где лечились женщины лёгкого поведения. На картине мы видим две фигуры: молодая девушка, вероятнее всего, беспутная мать, передаёт своего малыша на попечение монахине, которая безо всякого осуждения готова принять плод грешной любви. Если приглядеться, можно заметить, что тень отбрасывает только одна женщина ― та, которая отказывается от младенца. Такой приём ― намек на грехопадение.

«Юноша с лютней», Караваджо

Много лет картину называли «Лютнистка». Считалось, что на ней ― девушка, играющая на музыкальном инструменте. В начале XX века эксперты определили, что на полотне изображён молодой мужчина. На нотах разглядели запись партии Я. Аркадельта, обладателя сильного баса. При этом он должен был петь «Знаете, я вас люблю». Женщина не смогла бы осилить эти строки, так как они тяжелы для горла. Кроме того, лютня всегда считалась инструментом, на котором могут играть только представители сильного пола. 

У картины три версии. Самая удачная, по мнению искусствоведов, находится в Эрмитаже. Другие выставлены в Нью-Йорке и усадьбе Бадминтон-хаус в Англии.

«Благовещение», Джованни Баттиста Чима да Конельяно

Мастер представил один из самых известных эпизодов Нового Завета, который описан в Евангелие от Луки: ангел, посланный Господом, принес Марии и Иосифу радостную весть о скором рождении сына. 

С 2005 до 2011 год картина была на реставрации. Специалисты провели множество физико-химических исследований: сняли слои лака, которые нарушали оптический колорит, и удалили прописки, перекрывавшие оригинальные краски. На поверхности они нашли отпечатки пальцев самого художника. Реставраторы полагают, что он мог оставить их, растушевывая мазки. Кроме того, обнаружили несколько латинских букв ― всё, что осталось от подписи автора произведения.

«Завтрак», Диего Веласкес

Работа относится к жанру богедон. В переводе с испанского слово означает «погребок». Есть предположение, что ранее она висела в обеденном зале небольшой таверны.

На полотне изображены три человека разного возраста: мальчик, мужчина и старик. Эти образы встречаются в других художественных произведениях мастера. Кто такой мальчик, известно. Он жил у самого Д. Веласкеса и часто позировал ему. Других людей экспертам не удалось идентифицировать. 

У «Завтрака» есть семь вариантов, но принадлежащим кисти мастера считается тот, что выставлен в Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Работа числится в собраниях фонда музея с 1773 года. Установить подлинное авторство не удавалось вплоть до конца XIX века. Только в 1895 году эксперты перестали сомневаться в авторстве и включили работу в основной каталог.

Увидеть за один визит все шедевры мирового изобразительного искусства, представленные в Эрмитаже, невозможно. Поэтому лучше спланировать посещение музея ― выберите те полотна и экспонаты, с которыми хотите познакомиться в первую очередь, определите, в каком корпусе и каком зале они расположены. Посмотрите, по какому маршруту пролегает ваш путь в Эрмитаже ― по первому или второму. Такая подготовка поможет правильно распределить время на посещение экспозиции.